Art japonais

L'art du Japon (日本美術 Nippon bijutsu) est une expression de la culture japonaise, développée au fil du temps dans diverses périodes et styles qui se sont produits chronologiquement, parallèlement à l'évolution historique, sociale et culturelle du peuple japonais.

L'évolution de l'art japonais a été marquée par le développement de sa technologie, l'un de ses signes distinctifs étant l'utilisation de matériaux indigènes.

Comme dans l’art occidental, les principales manifestations artistiques trouvent leur origine dans la religion et le pouvoir politique. L'une des principales caractéristiques de l'art japonais est son éclectisme, issu de la diversité des peuples et des cultures arrivés sur ses côtes au fil du temps: les premiers colons du Japon - connus sous le nom d'Aïnous - appartenaient à une branche caucasienne venue d'Asie du Nord et de l'Est, arrivant peut-être alors que le Japon était encore uni au continent.

L'origine de ces colons est incertaine, les historiens envisageant diverses hypothèses, d'une race ouralo-altaïque à une éventuelle origine indonésienne ou mongole. En tout cas, leur culture semblait correspondre au Paléolithique supérieur ou au Mésolithique.

Par la suite, plusieurs groupes de race Malaise venus d'Asie du Sud-Est ou des îles du Pacifique arrivèrent sur les côtes japonaises - en même temps qu'en Corée et dans diverses régions de Chine - et furent progressivement introduits depuis le sud, déplaçant les Aïnous vers le nord du Japon, tandis que lors d'une vague ultérieure, plusieurs groupes de la même ethnie sont arrivés au Japon en provenance de Chine et de Corée.

À ce mélange racial, il faut ajouter l'influence d'autres cultures : en raison de son insularité, le Japon a été isolé pendant une grande partie de son histoire, mais il a été influencé par intervalles par des civilisations continentales, notamment chinoises et coréennes, notamment depuis le Ve siècle. .

Ainsi, à la culture japonaise ancestrale issue des vagues successives d’immigration s’est ajoutée l’influence étrangère, forgeant un art éclectique ouvert à l’innovation et au progrès stylistique.

Il convient également de noter qu'une grande partie de l'art produit au Japon a été de nature religieuse : à la religion shinto, la plus typiquement japonaise, formée vers le Ier siècle, s'est ajouté le bouddhisme vers le Ve siècle, forgeant un syncrétisme religieux qui perdure encore aujourd'hui. perdure aujourd'hui et qui se reflète également dans l'art.

L'art japonais est ainsi le reflet de ces différentes cultures et traditions, interprétant à sa manière les styles artistiques importés d'autres pays, qu'ils assument selon leur conception de la vie et de l'art, réinterprétant et simplifiant leurs caractéristiques particulières, comme le style chinois élaboré. Temples bouddhistes, qui ont subi au Japon un processus de réduction de leurs éléments superflus et décoratifs.

Cela montre le caractère syncrétique de l'art japonais, qui a toujours accepté naturellement toute innovation venue d'autres pays.

Dans la culture japonaise, l'art possède un grand sens d'introspection et d'interrelation entre l'homme et la nature, également représenté dans les objets qui l'entourent, des plus ornés et emphatiques aux plus simples et quotidiens.

Cela se voit dans la valeur accordée à l'imperfection, au caractère éphémère des choses, au sens émotionnel que le Japonais établit avec son environnement.

Ainsi, par exemple, lors de la cérémonie du thé, les Japonais valorisent le calme et la tranquillité de cet état de contemplation qu'ils atteignent avec un rituel simple, basé sur des éléments simples et une harmonie provenant d'un espace asymétrique et inachevé.

Pour les Japonais, la paix et l’harmonie sont associées à la chaleur et au confort, qualités qui reflètent fidèlement leur conception de la beauté.

Même lorsqu'il s'agit de manger, ce n'est pas la quantité de nourriture ou sa présentation qui compte, mais la perception sensorielle de la nourriture et le sens esthétique qu'elle donne à tout acte. De même, les artistes et artisans japonais sont très attachés à leur travail, considérant les matériaux comme un élément essentiel de leur vie et de leur communication avec l'environnement qui les entoure.

Fondamentaux de l'art japonais

L'art japonais, comme le reste de sa philosophie - ou, tout simplement, sa façon de voir la vie - est sujet à l'intuition, au manque de rationalité, à l'expression émotionnelle et à la simplicité des actes et des pensées, souvent exprimés de manière symbolique.

Deux de ses caractéristiques distinctives sont la simplicité et le naturel : les manifestations artistiques sont le reflet de la nature, elles ne nécessitent donc pas une production élaborée, mais reposent sur une économie de moyens qui confère à l'art une grande transcendance, en tant que reflet de quelque chose de plus élevé qui est seulement esquissé, suggéré, puis interprété par le spectateur.

Cette simplicité provoque dans la peinture une tendance au dessin linéaire, sans perspective, avec une abondance d'espaces vides, néanmoins harmonieusement intégrés à l'ensemble. En architecture, cela se reflète dans des conceptions linéaires, avec des plans asymétriques, dans une conjonction d'éléments dynamiques et statiques.

À son tour, cette simplicité est liée à un naturel inné dans la relation entre l'art et la nature, qui pour les Japonais est le reflet de leur vie intérieure, et ils la ressentent avec un délicat sentiment de mélancolie, presque de tristesse. En particulier, le passage des saisons leur confère un sentiment de fugacité, voyant dans l'évolution de la nature l'éphémère de la vie.

Ce naturel se reflète notamment dans l'architecture, qui s'intègre harmonieusement dans son environnement, comme en témoigne l'utilisation de matériaux naturels, bruts, montrant son aspect brut, brut et inachevé.

Au Japon, la nature, la vie et l’art sont inextricablement liés, et la réussite artistique est le symbole de la totalité de l’univers. Au Japon, l’art vise à atteindre l’harmonie universelle, en allant au-delà de la matière pour trouver le principe qui donne la vie. L'esthétique japonaise cherche à trouver le sens de la vie à travers l'art : la beauté est égale à l'harmonie, à la créativité ; c'est un élan poétique, un chemin sensoriel qui mène à la réalisation de l'œuvre, qui n'a pas de finalité en soi, mais va au-delà.

La beauté est une catégorie ontologique, qui fait référence à l'existence : elle consiste à parvenir à un sens avec l'ensemble. Comme le disait Suzuki Daisetsu : « la beauté n'est pas dans la forme extérieure, mais dans le sens qu'elle exprime ». L'art ne se fonde pas sur des qualités sensibles, mais sur des qualités suggestives ; il ne doit pas nécessairement être parfait, mais exprimer une qualité qui mène à la totalité.

Il s'agit de capter l'essentiel à travers la partie, qui suggère le tout : le vide est un complément à ce qui existe. Dans la philosophie orientale, il existe une unité entre la matière et l'esprit, prédominant la contemplation et la communion avec la nature, par voie d'adhésion intérieure, d'intuition.

Au Japon, l'art (gei) a un sens plus transcendant, plus immatériel que le concept d'art appliqué en Occident : c'est toute manifestation de l'esprit - compris comme énergie vitale, comme essence qui insuffle la vie à notre corps -, le rendant se développer et évoluer, réalisant une unité entre le corps, l'esprit et l'esprit.

Le sens de l'art s'est développé dans l'esthétique japonaise au fil du temps : les premières réflexions sur l'art et la beauté viennent de l'Antiquité, lorsque les principes créatifs de la culture japonaise se sont forgés et que les principales œuvres épiques de la littérature japonaise ont émergé :

• le Kojiki (Contes des choses anciennes),
• les Nihonshoki (Annales du Japon)
• et le Man'yōshū (Collection de dix mille feuilles).

Le concept de sayakeshi (« pur, clair, frais ») prédominait à cette époque, qui faisait référence à un type de beauté caractérisé par la simplicité, la fraîcheur, une certaine naïveté, perceptible dans l'utilisation de la lumière et des matériaux naturels, comme la terre cuite. des statuettes haniwa ou du bois en architecture.

Un bon exemple en est le temple shinto d'Ise, construit en bois de cyprès, qui a été reconstruit tous les vingt ans depuis le VIIIe siècle pour préserver sa pureté et sa fraîcheur. De ce concept découle une des constantes de l’art japonais : la valeur accordée à la beauté éphémère, transitoire, fugace, qui évolue avec le temps.

Dans Man'yōshū, le sayakeshi se reflète dans les sentiments de fidélité et d'honnêteté, ainsi que dans la représentation d'éléments naturels tels que le ciel et la mer, qui inspirent un sentiment de grandeur qui submerge l'homme.

Sayakeshi est lié au concept de naru (« devenir »), où le temps est valorisé comme une énergie vitale qui converge dans le devenir, dans la consommation de tous les actes et de toutes les vies. Plus tard, durant les périodes Nara et Heian, l’esthétique japonaise évolue rapidement grâce à son contact avec la culture chinoise, ainsi qu’à l’arrivée du bouddhisme. Le concept principal de cette période était la conscience, un sentiment émotionnel qui submerge le spectateur et conduit à un profond sentiment d'empathie ou de pitié.

Il est lié à d'autres termes comme okashi, celui qui attire par sa joie et son caractère agréable ; omoshiroshi, propriété des choses rayonnantes, qui attirent l'attention par leur éclat et leur clarté ; yūbi, concept de grâce, d'élégance ; yūga, qualité de raffinement dans la beauté ; fr, l'attrait du charme; rei, la beauté propre au calme ; yasashi, la beauté de la discrétion ; et ushin, le sens profond de l'artistique.

Un jalon dans la culture japonaise à cette époque fut le Conte du Genji de Murasaki Shikibu, qui incarnait un nouveau concept esthétique appelé mono-no-aware -un terme introduit par Motōri Norinaga-, qui transmet un sentiment de mélancolie, de tristesse contemplative dérivé de l'éphémère. des choses, d'une beauté éphémère, qui dure un instant et persiste dans la mémoire.

C'est un état de récréation dérivé de la fugacité des choses et d'une tristesse douce-amère dans son sillage, équivalent dans une certaine mesure au pathétique grec et au terme virgilien lacrimae rerum (« larmes des choses »). Selon les mots de Kikayama Keita : « c'est le sentiment profond qui nous envahit lorsque nous contemplons un beau matin de printemps, et aussi la tristesse qui nous envahit lorsque nous regardons un coucher de soleil d'automne.  

Cette idée d'une recherche idéale de la beauté, d'un état de contemplation où la pensée et le monde des sens se rencontrent, est caractéristique de la sensibilité innée des Japonais à la beauté et se manifeste dans la fête Hanami, basée sur la contemplation de la cerise. fleurs.

Au cours du Moyen Âge japonais (périodes Kamakura, Muromachi et Momoyama), parallèlement au militarisme de la société féodale japonaise, le concept de dō (« voie ») s'est imposé, mettant l'accent sur le processus créatif de l'art, la pratique cérémonielle des rites sociaux, ainsi que en témoignent le shodō (calligraphie), le chadō (cérémonie du thé), le kadō ou ikebana (l'art de la composition florale) et le kōdō (cérémonie de l'encens).

Dans ces pratiques, ce n'est pas le résultat qui compte, mais le processus d'évolution, le devenir au fil du temps - à nouveau le naru - ainsi que le talent démontré dans l'exécution parfaite des rites, qui dénote la dextérité, ainsi qu'un effort spirituel pour la perfection.

Ces nouveaux concepts ont été influencés de manière décisive par une variante du bouddhisme appelée Zen, qui mettait l'accent sur certaines « règles de vie » basées sur la méditation, où la personne perd la conscience de soi. Ainsi, tout travail quotidien transcende son essence matérielle pour signifier une manifestation spirituelle, qui se reflète dans le mouvement et le passage rituel du temps.

Ce concept se reflète également dans le jardinage, qui atteint un tel degré de transcendance que le jardin est une vision du cosmos, avec un grand vide (la mer) rempli d'objets (les îles), incarné dans le sable et les rochers, et où la végétation est évocateur du temps qui passe.

L'ambivalence zen entre simplicité et profondeur d'une vie transcendante imprègne un esprit de « simple élégance » (wabi) non seulement dans l'art, mais aussi dans le comportement, les relations sociales et les aspects les plus quotidiens de la vie. Maître Sesshū a dit que « le Zen et l'art ne font qu'un. »

Le Zen repose sur sept principes esthétiques : fukinsei (asymétrie), manière de nier la perfection pour atteindre l'équilibre présent dans la nature ; kanso (austérité), éliminant l'inutile et le superflu pour découvrir la simplicité de la nature ; kokō (dignité solitaire), qualité que les personnes et les objets acquièrent au fil du temps et leur confère une plus grande pureté de leur essence ;

shizen (naturel), qui est lié à la sincérité, le naturel est authentique et incorruptible ;

yūgen (profondeur), la véritable essence des choses, qui transcende leur simple matérialité, leur aspect superficiel ; datsuzoku (détachement), liberté dans la pratique des arts, dont la mission est de libérer l'esprit et non de le contrôler - ainsi, l'art se dispense de toutes sortes de normes et de règles ; seiyaku (sérénité intérieure), état d'immobilité, de calme, nécessaire à la fluidité des six principes précédents. La cérémonie du thé est particulièrement significative, où le concept japonais de l'art et de la beauté est magistralement synthétisé, créant une authentique religion esthétique : le « théisme ». Cette cérémonie représente le culte du beau en opposition à la vulgarité du quotidien.

Sa philosophie, à la fois éthique et esthétique, exprime la conception intégrale de l'homme avec la nature. Sa simplicité relie les petites choses à l'ordre cosmique : la vie est une expression, et les actes reflètent toujours une pensée. Le temporel est égal au spirituel, le petit au grand.

Ce concept se reflète également dans le salon de thé (sukiya), construction éphémère due à un élan poétique, dénuée d'ornementation, où l'imparfait est vénéré, et laisse toujours quelque chose d'inachevé, qui complètera l'imaginaire.

L'absence de symétrie est caractéristique, due à la conception Zen selon laquelle la recherche de la perfection est plus importante que la perfection elle-même.

La beauté ne peut être découverte que par celui qui complète mentalement l'incomplet. Enfin, dans la période moderne, à partir de la période Edo, même si les concepts précédents subsistent, de nouvelles catégories esthétiques ont été introduites, liées aux nouvelles classes urbaines apparues au fur et à mesure de la modernisation du Japon :

sui est une certaine finesse spirituelle, que l'on retrouve principalement dans la littérature d'Osaka ; iki est une élégance honnête et directe, présente notamment dans le théâtre kabuki ; le karumi est un concept qui vante la légèreté comme une qualité essentielle sous laquelle la « profondeur » des choses est atteinte, reflétée notamment dans la poésie haïku ;

Shiori est une beauté nostalgique ; l'hosomi est un mets délicat qui atteint l'essence des choses ; et sabi est une beauté simple, dépouillée, sans ornement ni artifice, prônant des valeurs telles que la pauvreté et la solitude.

Ce dernier était lié au concept précédent de wabi, créant une nouvelle notion appelée wabi-sabi, la transcendance de la simplicité, où la beauté réside dans l'imperfection, dans l'incomplétude, basée sur la fugacité et l'impermanence. À la base de tous ces concepts se trouve l’idée de l’art en tant que processus créatif et non en tant que réalisation matérielle.

Okakura Kakuzō écrit que « seuls les artistes persuadés de l'imperfection congénitale de leur âme sont capables d'engendrer la vraie beauté ».

Périodisation de l'art japonais

Pour l'étude, l'art du Japon est divisé en grandes périodes en termes de production artistique et d'évolutions politiques importantes. La classification varie souvent en fonction des critères de l'auteur, et nombre d'entre eux peuvent être subdivisés. En revanche, il existe également des divergences quant au début et à la fin de certaines de ces périodes.

Plastique d'art japonais 

Période Jōmon (11 000 avant JC-500 avant JC)

Au cours du Mésolithique et du Néolithique, le Japon est resté isolé du continent, de sorte que toute sa production était indigène, bien que de peu d'importance. Il s'agissait de sociétés semi-sédentaires, vivant dans de petits villages aux maisons creusées dans le sol, obtenant leurs ressources alimentaires principalement de la forêt (cerfs, sangliers, noix) et de la mer (poissons, crustacés, mammifères marins).

Ces sociétés avaient une organisation de travail élaborée et s'intéressaient à la mesure du temps, comme en témoignent divers vestiges d'arrangements circulaires en pierre à Oyu et Komakino, qui faisaient office de cadrans solaires.

Ils disposaient apparemment d'unités de mesure standardisées, comme en témoignent divers bâtiments construits selon certains modèles. Des outils en os et des pierres polies, des poteries et des figures anthropomorphes ont été découverts sur les différents sites Jōmon. Il convient de noter que la poterie Jōmon est la plus ancienne poterie produite par l'homme : les premiers vestiges de poterie rudimentaire remontent à 11 000 avant JC, dans de petits récipients travaillés à la main, aux côtés polis et aux intérieurs larges, au sens fonctionnel et à la décoration austère.

Ces vestiges correspondent à une période appelée « prejōmon » (11000-7500 avant J.-C.), à laquelle succéda la période « archaïque » ou « premier Jōmon » (7500-2500 avant J.-C.), où sont fabriquées, fabriquées à la main et décorées de incisions ou empreintes de corde, sur une base d'une sorte de vaisseaux profonds en forme de jarre.

La décoration de base consistait en des impressions réalisées avec des ficelles faites de fibres végétales, pressées sur la poterie avant la cuisson. Dans plusieurs zones, ces incisions ont atteint un haut degré d'élaboration, avec des bords parfaitement ciselés, dessinant une série de signes découpés abstraits d'une grande complexité.

A quelques reprises, des traces de scènes figuratives ont été retrouvées, généralement des dessins anthropomorphes et zoomorphes (grenouilles, serpents), mettant en valeur une scène de chasse présente dans un vase trouvé à Nirakubo, au nord de Honshū.

Enfin, au « Jōmon tardif » (2500-400 avant JC), les récipients reviennent à des formes plus naturelles, moins élaborées, avec des bols et récipients à fond arrondi, des amphores à col étroit et des bols à anses, souvent à pied ou à base surélevée. .

Les principaux sites de poterie Jōmon sont : Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Natsushima, Kamo et Okinohara sur l'île de Honshū ; Sobata sur l'île de Kyūshū ; et Hamanasuno et Tokoro sur l'île de Hokkaidō.

Outre les vases, plusieurs figurines de forme humaine ou animale ont été construites en céramique, construites en plusieurs parties, si bien que peu de vestiges de pièces entières ont été retrouvés. Ceux de forme anthropomorphe peuvent avoir des attributs masculins ou féminins, et certains ont également été trouvés avec des signes androgynes.

Certains ont un ventre bombé, ils pourraient donc être liés au culte de la fertilité. Il convient de noter la précision des détails que montrent certaines figures, comme les coiffures élaborées, les tatouages ​​et les vêtements . Il semble que dans ces sociétés la parure corporelle avait une grande importance, principalement au niveau des oreilles, avec des boucles d'oreilles en céramique de fabrication diverse, décorées de pigments rouges.

À Chiamigaito (île de Honshū), plus de 1 000 de ces ornements ont été trouvés, ce qui suggère l'existence d'un atelier local pour la fabrication de ces produits. De cette époque datent également divers masques qui témoignent d’un travail individualisé sur les visages.

De même, différents types de perles de jadéite verte étaient fabriquées, et ils savaient travailler la laque, comme en témoignent plusieurs épingles à cheveux trouvées à Torihama. Des restes d'épées en ivoire, en os ou en bois d'animaux ont également été découverts.

Période Yayoi (500 avant JC-300 après JC)

Cette période voit l'implantation définitive de la société agricole, ce qui entraîne la déforestation de vastes zones du territoire. Cette transformation a conduit à une évolution de la société japonaise dans les domaines technologique, culturel et social, avec une plus grande stratification sociale et spécialisation du travail, et a conduit à une augmentation des guerres.

L'archipel japonais était parsemé de petits États formés autour de clans (uji), parmi lesquels prédominait le clan Yamato, donnant naissance à la famille impériale. Apparut le shintoïsme, religion mythologique qui faisait descendre l'empereur d'Amaterasu, la déesse du soleil.

Cette religion a donné naissance au sentiment originel de pureté et de fraîcheur de l'art japonais, avec une prédilection pour les matériaux purs et non décorés, avec un sentiment d'intégration avec la nature (kami ou supraconscience).

À partir du 1er siècle avant JC, la civilisation a commencé à être introduite depuis le continent, en raison des relations avec la Chine et la Corée. La culture Yayoi est apparue sur l'île de Kyūshū vers 400-300 avant JC, passant à Honshū, où elle a progressivement supplanté la culture Jōmon. Durant cette période, un type de grande chambre funéraire et de tumulus funéraire ornés de cylindres en terre cuite avec des figures humaines et animales était très répandu.

Les colonies étaient entourées de fossés et divers ustensiles liés à l'agriculture sont apparus (notamment un outil en pierre en forme de croissant utilisé pour la récolte), ainsi que diverses armes, telles que des arcs et des flèches à pointes de pierre polies.

La poterie était produite sur un tour de potier, principalement des pots à col large, des pots à couvercle, des assiettes larges, des tasses à anses et des bouteilles à col étroit. Ils étaient de surface polie, avec une décoration , principalement des incisions, des pointillés et des serpentines en zigzag.

La modalité principale était un récipient en forme de pot appelé tsubo. Les ouvrages en métal, principalement en bronze, se distinguent, comme les cloches appelées dotaku, qui servaient d'objets de cérémonie, décorées de spirales (ryusui) en forme d'eau qui coule, ou encore les animaux en relief (principalement cerfs, oiseaux, insectes et amphibiens), ainsi que ainsi que des scènes de chasse, de pêche et de travaux agricoles, notamment ceux liés au riz.

Le cerf semble avoir eu une signification particulière, peut-être liée à une divinité : dans de nombreux sites, une multitude d'omoplates de cerf ont été trouvées avec des incisions ou des marques faites au feu, ce qui serait donc lié à une sorte de rituel.

D'autres objets décoratifs trouvés dans les sites Yayoi comprennent des miroirs, des épées, diverses perles et des magatama (morceaux de jade et d'agate en forme de noix de cajou, qui servaient de bijoux ).

Période Kofun (300-552)

Cette époque voit la consolidation de l’État central impérial, qui contrôle les principales ressources, comme le fer et l’or. L'architecture s'est développée de préférence dans le domaine funéraire, avec des tombes à chambre et à couloir caractéristiques appelées kofun (« tombeau antique »), sur lesquelles étaient élevés des tumulus en terre de grandes proportions.

On remarquera particulièrement les grandes tombes des empereurs Ōjin (346-395) et Nintoku (395-427), où se trouvent divers bijoux, armes, sarcophages en pierre ou en terre cuite, poteries et figures anthropomorphes en terre cuite appelées haniwa, constituées d'un piédestal cylindrique et d'un à moitié buste, ont été retrouvés.

Ces statuettes mesuraient environ 60 centimètres, avec peu d'expression, seulement quelques fentes aux yeux et à la bouche, bien qu'elles constituent un échantillon d'une grande pertinence de l'art de cette époque. Selon leurs vêtements et leurs ustensiles, divers métiers peuvent être distingués dans ces personnages, comme ceux d'agriculteurs, de soldats, de prêtresses, de courtisanes, de musiciens et de danseurs.

A la fin de cette période, apparaissent également des figurines d'animaux, notamment des cerfs, des chiens, des chevaux, des sangliers, des chats, des poules, des moutons et des poissons.

Une grande variété d'armes a été retrouvée (attelages d'archers, couronnes avec bijoux matagama, étriers en bronze), ce qui témoigne de l'importance de l'establishment militaire de cette époque, dont les traits stylistiques sont liés à la culture Silla de Corée, ainsi qu'un type de poterie appelée Sueki, sombre et d'une grande finesse, avec des accessoires tintants.

La différenciation sociale a conduit à l'isolement des classes dirigeantes dans des enclos exclusifs au sein des villes, comme à Yoshinogari, pour finir définitivement ségréguées dans des enclos isolés comme celui de Mitsudera ou les complexes palatiaux du Kansai, Ikaruga et Asuka-Itabuki.

En termes d'architecture religieuse, les premiers temples shinto (jinja) étaient en bois, sur une plate-forme surélevée et des murs nus ou des cloisons coulissantes, avec des piliers soutenant le toit en pente. L'un de ses éléments caractéristiques est le torii, un arc d'entrée qui signale l'accès à un lieu sacré.

Il convient de mentionner le sanctuaire d'Ise, reconstruit tous les vingt ans depuis le VIIIe siècle. Il comprend deux complexes, l'ouest (Naikū), dédié à Amaterasu (déesse du soleil), et l'est (Gekū), dédié à Toyouke no Ōmikami (déesse de l'habillement, de la nourriture, du logement, de l'agriculture et de l'industrie), avec une superficie totale d'environ 125 sanctuaires.

Le bâtiment principal (Shoden) a un plan surélevé et un toit à pignon, sur neuf colonnes, accessible par un escalier extérieur.

Il est de style shinmeizukuri, reflétant le style shintō tardif, avant l'arrivée du bouddhisme au Japon. Le sanctuaire est un centre de pèlerinage (o-ise-mairi) puisque, selon la tradition, les pratiquants shintō doivent visiter le sanctuaire au moins une fois dans leur vie. Un autre temple mythique d'origine incertaine est Izumo Taisha, près de Matsue, fondé légendairement par Amaterasu. Il est de style taishazukuri, considéré comme le plus ancien parmi les sanctuaires, caractérisé par l'élévation du bâtiment sur pilastres, avec un escalier comme entrée principale et de simples finitions en bois non peint.

Selon les chroniques, le sanctuaire original avait une hauteur de 50 mètres, mais à cause d'un incendie, il a été reconstruit avec une hauteur de 25 mètres. Ses principaux bâtiments sont le Honden (« sanctuaire intérieur ») et le Haiden (« sanctuaire extérieur »). Le Kinpusen-ji, temple principal du shugendō, religion ascétique mêlant shintoïsme, bouddhisme et croyances animistes, appartient également à cette période.

Sa structure comprend le temple principal ou Zaōdō, qui est la deuxième plus grande construction en bois du Japon, surpassée seulement par le Daibutsuden du Tōdai-ji ;

avec la porte Niō, elle a été classée trésor national du Japon. C'est à cette époque que l'on trouve les premiers échantillons de peinture, comme dans la sépulture royale d'Ōtsuka et les tombeaux en forme de dolmen de Kyūshū (Ve-VIe siècles), décorés de scènes de chasse, de guerre, de chevaux, d'oiseaux et de bateaux, ou encore de spirales et cercles concentriques.

Il s'agissait de peintures murales réalisées avec du rouge hématite, du noir anthracite, de l'ocre jaune, du blanc kaolin et du vert chlorite. L'un des dessins représentatifs de cette période est ce qu'on appelle le chokkomon, composé de lignes droites et d'arcs dessinés en diagonale ou en croix, et présent sur les murs des tombes, des sarcophages, des statues et des miroirs en bronze.

Période Asuka (552-710)

L'État de Yamato a forgé un royaume centralisé suivant le modèle chinois, incarné dans les lois de Shōtoku-Taishi (604) et de Taika de 646. L'arrivée du bouddhisme a produit au Japon un grand impact sur le plan artistique et esthétique, avec une forte influence de Art chinois.

Le règne du prince Shōtoku (573-621), qui favorisa le bouddhisme et la culture en général, fut particulièrement fécond pour l'art. L'architecture, sous forme de temples et de monastères, a été en grande partie perdue, entraînant le remplacement de simples lignes shinto par la magnificence du continent.

Comme édifice le plus remarquable de cette période, il faut citer le temple du Hōryū-ji (607), représentatif du style Kudara (Paikche en Corée). Il fut construit sur l'emplacement du temple Wakakusadera, érigé par Shōtoku et incendié par ses ennemis en 670.

Construit avec une planimétrie axiale, il se compose d'un groupe de bâtiments où se détachent la pagode (Tō), le Yumedomo (« salle des rêves ») et le Kondō (« salle d'or »). Il est de style chinois, avec un toit en tuiles céramiques utilisé pour la première fois.

Un autre exemple caractéristique est le sanctuaire d'Itsukushima (593), construit sur l'eau, sur la mer intérieure de Seto, avec le Gojūnotō (« pagode à cinq étages »), le Tahōtō (« pagode à deux étages ») et plusieurs honden (bâtiments avec autels). ) se distinguant parmi ses bâtiments. Il a été inscrit au patrimoine mondial en 1996.

La sculpture, de thème bouddhiste, était en bois ou en bronze : les premières images de Bouddha furent importées du continent, mais ensuite un grand nombre d'artistes chinois et coréens s'installèrent au Japon.

L'image de Kannon, nom japonais du bodhisattva Avalokiteśvara (appelé Guanyin en chinois), prolifère, comme le Bodhisattva Kannon, œuvre du coréen Tori ; le Kannon situé dans le Yumedomo du temple de Hōryū-ji ; et le Kannon de Kudara (VIe siècle), réalisé par un artiste inconnu.

Une autre œuvre remarquable est la Triade Sâkyamuni (623), en bronze, de Tori Busshi installée dans le temple du Hōryū-ji. En général, il s'agissait d'œuvres d'un style sévère, anguleux et archaïsant, inspiré du style coréen Koguryŏ, comme en témoigne l'œuvre de Shiba Tori, qui marqua le « style officiel » de la période Asuka : Grand Bouddha Asuka (Hoko-ji temple, 606), Bouddha Yakushi (607), Kannon Guze (621), Triade Shaka (623).

Un autre artiste qui suivit ce style fut Aya no Yamakuchi no Okuchi Atahi, auteur des Quatre Gardiens Célestes (shitenno) de la Salle Dorée du Hōryū-ji (645), qui malgré l'air archaïque présentent une évolution volumétrique dans les formes plus arrondies, avec des visages plus expressifs.

La peinture suivait des motifs chinois, à l'encre ou aux pigments minéraux sur soie ou papier, sur rouleaux ou accrochés au mur.

Il dénote un grand sens du dessin, avec des œuvres d'une grande originalité, comme le reliquaire Tamamushi (Hōryū-ji), en bois de camphrier et cyprès, avec des bandes en filigrane de bronze, présentant plusieurs scènes à l'huile sur bois laqué, selon une technique appelée mitsuda. -i originaire de Perse et lié à la peinture chinoise de la dynastie Wei.

À la base du reliquaire se trouve un jataka (récit des vies antérieures de Bouddha), représentant le prince Mahasattva offrant sa propre chair à une tigresse affamée. À cette époque, la calligraphie commença à prendre de l’importance et reçut le même niveau artistique que les images figuratives.

Les tapisseries en soie se démarquent également, comme le Tenjukoku Mandala dédié à Shōtoku (622). Les céramiques, émaillées ou non, étaient peu produites localement, les importations chinoises étant plus valorisées.

Période Nara (710-794)

Durant cette période, la capitale fut établie à Nara (710), première capitale fixe du mikado. L'art bouddhique connut son apogée durant cette période, tandis que l'influence chinoise restait forte : les Japonais voyaient dans l'art chinois une harmonie et une perfection similaires au goût européen pour l'art gréco-romain classique.

Les rares exemples d'architecture de l'époque sont des bâtiments à l'air monumental, comme la pagode Est de Yakushi-ji, les temples du Tōshōdai-ji, du Tōdai-ji et du Kōfuku-ji, et l'entrepôt impérial Shōso-in à Nara, qui conserve une multitude d'objets d'art de l'époque de l'empereur Shōmu (724-749), avec des œuvres de Chine, de Perse et d'Asie centrale.

La ville de Nara a été construite selon un plan en damier, sur le modèle de Chang'an, la capitale de la dynastie Tang. Une importance égale fut accordée au palais impérial comme au monastère principal, le Tōdai-ji (745-752), construit selon un plan symétrique dans une grande enceinte aux pagodes jumelles, et comportant le Daibutsuden, la « grande salle du Bouddha », avec une grande statue en bronze du Bouddha Vairocana (Dainichi en japonais) de 15 mètres, offerte par l'empereur Shōmu en 743.

Reconstruit en 1700, le Daibutsuden est le plus grand bâtiment en bois du monde. Une autre enceinte importante du temple est le Hokkedō (« salle du lotus », également appelé Sangatsudō, « salle du troisième mois »), qui abrite une autre magnifique statue, le Kannon Fukukenjaku, un bodhisattva à huit bras en laque, haut de quatre mètres. et influence Tang, perceptible dans la sérénité et la placidité des traits du visage.

D'autre part, la pagode Est de Yakushi-ji était une tentative des architectes japonais de trouver leur propre style, s'éloignant de l'influence chinoise. Elle se distingue par sa verticalité, avec une alternance de toits de différentes tailles, lui donnant l'apparence d'un signe calligraphique. Dans sa structure se distinguent les avant-toits et les balcons, formés de barres de bois entrelacées, de couleurs blanches et brunes.

À l'intérieur, il abrite l'image du Yakushi Nyorai (« Bouddha de la médecine »). Il est inscrit au patrimoine mondial sous la désignation des monuments historiques de l’ancienne Nara.

Tout aussi assimilé au niveau national fut le Tōshōdai-ji (759), qui montre un contraste évident entre le Kondō (« salle d'or »), d'une solidité, symétrie et verticalité d'influence chinoise, et le Kodō (« salle de conférence »), d'une une plus grande simplicité et horizontalité qui dénotent la tradition indigène.

Un autre représentant était le Kiyomizu-dera (778), dont le bâtiment principal se distingue par son énorme balustrade, soutenue par des centaines de piliers, qui dépasse de la colline et offre une vue impressionnante sur la ville de Kyoto.

Ce temple était l'un des candidats à la liste des Sept Nouvelles Merveilles du Monde, bien qu'il n'ait pas été choisi. Pendant ce temps, le Rinnō-ji est célèbre pour le Sanbutsudō (« Salle des Trois Bouddhas »), où se trouvent trois statues laminées en or d'Amida, Senjūkannon (Kannon aux mille bras) et Batōkannon (Kannon à tête de cheval).

En tant que sanctuaire shinto, le Fushimi Inari-taisha (711), dédié à l'esprit d'Inari, était particulièrement connu pour les milliers de toriis rouges qui jalonnent le chemin qui descend la colline sur laquelle se trouve le sanctuaire.

La représentation du Bouddha était très développée en sculpture, avec des statues d'une grande beauté : Sho Kannon, Bouddha de Tachibana, Bodhisattva Gakko du Tōdai-ji. Durant la période Hakuhō (645-710), la suppression du clan Soga et la consolidation impériale entraînent la fin de l'influence coréenne et son remplacement par l'influence chinoise (dynastie Tang), produisant une série d'œuvres d'une plus grande magnificence et réalisme, avec des formes plus rondes et plus gracieuses.

Ce changement est perceptible dans le groupe de statues en bronze doré du Yakushi-ji, composé du Bouddha assis (Yakushi) flanqué des bodhisattvas Nikko (« Lumière du soleil ») et Gakko (« Clair de lune »), qui font preuve d'un plus grand dynamisme dans leur posture de contrapposto. et une plus grande expressivité du visage.

En revanche, au Hōryū-ji, le style Tori d'origine coréenne perdure, comme dans le Kannon Yumegatai et la Triade Amida du reliquaire de Lady Tachibana. Dans le temple de Tōshōdai-ji se trouve une triade de statues de taille colossale, réalisées en laque sèche creuse, avec le Bouddha Rushana central (759), haut de 3,4 mètres, qui se détache.

On y trouve également des représentations d'esprits gardiens (Meikira Taisho), de rois (Kamokuten), etc. Ce sont des œuvres en bois, en bronze, en argile brute ou en laque sèche, d'un grand réalisme.

La peinture est représentée par la décoration murale du Hōryū-ji (fin du VIIe siècle), comme les fresques du Kondō, qui présentent des similitudes avec celles d'Ajantā en Inde. Diverses typologies ont également émergé, comme le kakemono (« peinture suspendue ») et l'emakimono (« peinture sur rouleau »), des histoires peintes sur un rouleau de papier ou de soie, avec des textes expliquant les différentes scènes, appelés sutras.

Dans le Shōso-in de Nara se trouve une série de peintures aux sujets profanes, avec des genres et des thèmes variés : plantes, animaux, paysages et objets métalliques. Au milieu de cette période, le style de peinture de la dynastie Tang devient à la mode, comme en témoignent les peintures murales du tombeau de Takamatsuzuka, datant d'environ 700.

Par le décret Taiho-ryo de 701, le métier de peintre était réglementé dans des corporations artisanales contrôlées par le Département des Peintres (edakumi-no-tuskasa), relevant du ministère de l'Intérieur. Ces guildes étaient chargées de décorer les palais et les temples, et leur structure dura jusqu'à l'ère Meiji. La céramique évolue notamment grâce à diverses techniques importées de Chine, comme l'utilisation de couleurs vives appliquées sur l'argile.

Période Heian (794-1185)

Cette période voit le règne du clan Fujiwara, qui établit un État centralisé inspiré du gouvernement chinois, avec sa capitale à Heian (aujourd'hui Kyoto). Les grands seigneurs féodaux (daimyō) émergent, et la figure du samouraï apparaît.

C'est à cette époque qu'est apparue l'écriture hiragana, qui a adapté la calligraphie chinoise à la langue japonaise polysyllabique, en utilisant des caractères chinois pour les valeurs phonétiques des syllabes. La rupture des relations avec la Chine produit un art plus typiquement japonais, faisant émerger aux côtés de l'art religieux un art laïc qui sera le reflet fidèle du nationalisme de la cour impériale.

L'iconographie bouddhiste connaît un nouveau développement avec l'importation de deux nouvelles sectes du continent, Tendai et Shingon, basées sur le bouddhisme tantrique tibétain, qui incorporent des éléments shinto et produisent un syncrétisme religieux caractéristique de cette époque.

Le Shingon était un type de bouddhisme ésotérique centré sur la relation entre la matière et l'esprit, qui se reflétait dans les mandalas, images picturales ou sculptées centrées sur le Diamant (monde spirituel) et le Sein Mère (monde matériel), ainsi que dans les représentations du Dainichi Nyorai (le « Grand Soleil »).

De son côté, Tendai se concentrait sur le salut de l'homme, avec une certaine moralité d'origine confucéenne et un grand syncrétisme avec la religion shinto. Il accordait une grande importance à l'art, et on disait même que le Tendai transformait « la religion en art et l'art en religion ». L'un de ses principaux cultes était le Paradis occidental de la Terre Pure d'Amida, dont de nombreuses images ont été réalisées.

L'une des plus florissantes fut l'image du raigo-zu, Bouddha transportant les âmes au Paradis, qui proliféra dans de nombreuses peintures, comme le panneau central du triptyque Amida à Hokkeji (Nara).

L'architecture subit un changement dans le plan des monastères, érigés dans des lieux isolés, destinés à la méditation. Les temples les plus importants sont l'Enryaku-ji (788), le Kongōbu-ji (816) et la pagode-sanctuaire Murō-ji. Enryaku-ji, situé dans les environs du mont Hiei, fait partie des monuments historiques de l'ancienne Kyoto, déclarés site du patrimoine mondial en 1994.

Elle a été fondée en 788 par Saichō, qui a introduit la secte bouddhiste Tendai au Japon. L'Enryaku-ji comptait environ 3 000 temples et était à son époque un immense centre de pouvoir, la plupart de ses bâtiments ayant été détruits par Oda Nobunaga en 1571.

De la partie qui a survécu, se distinguent aujourd'hui le Saitō (« salle ouest ») et le Tōdō (« salle est »), où se trouve le Konpon chūdō, la construction la plus représentative de l'Enryaku ji, où se trouve une statue de Bouddha sculptée par Saichō lui-même, le Yakushi Nyorai, est préservé.

En architecture civile, la construction du Palais Impérial, de pur style japonais, est remarquable. Durant la période Fujiwara (897-1185), le temple était à nouveau situé dans la ville, étant le lieu de rencontre des classes dirigeantes. L'architecture religieuse imite celle des grands palais, avec une décoration très développée, comme dans le monastère de Byōdō-in -appelé aussi du Phénix-, à Uji (fondé en 1053).

Dans ce temple se distingue le Hōōdō ("Salle du Phénix"), situé au bord d'un étang qui lui donne un aspect lyrique et spirituel, avec des lignes dynamiques et élégantes où se détachent les toits aux angles curvilignes, donnant un air ascendant. à l'ensemble.

Cette salle conserve une image du Bouddha Amida (« Seigneur de la Lumière Infinie »), haute de 2,5 mètres, en bois laqué, œuvre du maître Jōchō.

La sculpture subit un léger déclin par rapport aux périodes antérieures. Une fois de plus, se distinguent les représentations du Bouddha (Nyoirin-Kannon ; Yakushi Nyorai du temple du Jingo-ji à Kyoto ; Amida Nyorai du monastère de Byōdō-in), ainsi que quelques déesses shinto (Kichijoten, déesse du bonheur, équivalent du Lakshmī indien).

La rigidité excessive de la religion bouddhiste limitait la spontanéité de l'artiste, limité par des canons artistiques rigides qui restreignaient sa liberté de création. Entre 859 et 877 apparaît le style Jogan, caractérisé par des figures d'une sévérité presque intimidante, avec un certain air introspectif et mystérieux, comme le Shaka Nyorai du Murō-ji.

Durant la période Fujiwara, l'école fondée par Jōchō à Byōdō-in gagna en prééminence, avec un style plus gracieux et plus élancé que la sculpture de Jogan, atteignant des proportions anatomiques parfaites et un grand sens du mouvement.

L'atelier Jōchō introduisit les techniques yosegi et warihagi, qui consistaient à diviser la figure en deux blocs qui furent ensuite assemblés pour les sculpter, évitant ainsi les fissures ultérieures, l'un des principaux problèmes des grandes figures. Ces techniques permettaient également un assemblage en série, et furent développées avec beaucoup de succès dans l'école Kei de la période Kamakura.

La peinture au début de cette période était peu développée, avec peu de liberté créative et l’absence de notion d’espace. L'apparition de l'école yamato-e (« peinture japonaise ») marque l'indépendance de la peinture japonaise vis-à-vis de l'influence chinoise.

Elle se caractérise par son harmonie et sa conception diaphane et lumineuse, avec des couleurs vives et brillantes, des lignes simples et une décoration géométrique. Les principales œuvres se trouvent dans des monastères bouddhistes (Byōdō-in, Kongōbu-ji).

Il convient de noter en particulier les peintures murales de la salle du Phénix à Byōdō-in, dont les paysages synthétisent pour la première fois le goût esthétique plus proprement japonais, avec son sentiment d'émotivité mélancolique.

Les éléments typiquement chinois sont remplacés par d'autres de goût japonais, comme les fleurs de cerisier au lieu des pruniers enneigés à la mode dans la peinture Tang, ou les rizières au lieu des imposants sommets des montagnes chinoises.

Avec d'autres éléments tels que la glycine, les orchidées, les pivoines, le bambou, la lune, le brouillard, la mer, la pluie, etc., l'imagerie paysagère japonaise la plus typique a été créée à cette époque.

De même, la composition asymétrique, l'espace vide, l'atmosphère éthérée, le mouvement ondulatoire, les détails anecdotiques, l'application de la couleur plus en taches qu'en coups de pinceau, le caractère lyrique et émotif de l'ensemble seront typiques de la peinture japonaise, tant dans peintures murales et gravures et paravents.

Malgré cela, l’influence chinoise se poursuit dans les bâtiments publics et officiels, car elle est liée au prestige de la fonction publique.

Appelée kara-e, la peinture chinoise a prospéré dans le cercle impérial, comme le montrent des œuvres telles que le Paravent des Sages et le Paravent du lac Kunming. La peinture Yamato-e s'est développée notamment dans les rouleaux manuscrits appelés emaki, qui combinaient des scènes picturales avec une élégante calligraphie katakana. Ces rouleaux racontaient des passages historiques ou littéraires, comme le Dit du Genji, un roman de la fin du Xe siècle de Murasaki Shikibu.

Même si le texte était l'œuvre de calligraphes réputés, les images étaient généralement exécutées par des courtisanes de la cour, telles que Ki no Tsubone et Nagato no Tsubone, représentant une démonstration d'esthétique féminine qui aurait une grande importance dans l'art japonais.

Une distinction s'impose alors entre la peinture féminine (onna-e) et masculine (otoko-e), qui marque une distinction perceptible entre le monde public, considéré comme masculin -dont l'art entretient l'influence chinoise- et le monde privé, à caractère féminin et plus encore. esthétique proprement japonaise.

Dans onna-e, outre le Dit du Genji, se démarque le Heike Nogyo (Sūtra du Lotus), commandé par le clan Taira pour le sanctuaire d'Itsukushima, avec un total de 33 rouleaux sur le salut des âmes proclamé par le bouddhisme.

L'otoko-e était plus narratif et énergique que l'onna-e, plus bourré d'action, avec plus de réalisme et de mouvement, comme dans les rouleaux Shigisan Engi, sur les miracles du moine Myoren ;

le Ban Danaigon E-kotoba, sur une guerre de clans rivaux au IXe siècle ; et les Chōjugiga, scènes animalières au signe caricatural et au ton satirique, critiquant l'aristocratie. À cette époque, la céramique n'avait pas une importance particulière, mettant en valeur les œuvres en laque - généralement des boîtes à cosmétiques - et les objets en métal, où se détachent les miroirs.

Dans la laque, émerge la technique du maki-e, consistant à saupoudrer de poudre colorée, d'or et d'argent sur de la laque humide, créant ainsi des dessins d'une grande finesse et d'une tonalité subtile. Parfois, il comprenait des incrustations de nacre (raden). Les éventails , décorés de textes de sutras bouddhistes et de scènes de genre, ont également pris de l'importance.

Période Kamakura (1185-1392)

Après diverses disputes entre les clans féodaux, le clan Minamoto l'emporta et établit le shogunat, un gouvernement de type militaire. A cette époque, la secte Zen est introduite au Japon, ce qui va avoir une puissante influence sur l'art figuratif.

L'architecture était plus simple, fonctionnelle, moins luxueuse et ornée. L'influence zen a conduit à ce qu'on appelle le style Kara-yo : les monastères zen suivaient la planimétrie axiale chinoise, bien que le bâtiment principal n'était pas le temple, mais la salle de lecture, et que la place d'honneur n'était pas occupée par une statue de Bouddha, mais par un petit trône où l'abbé enseignait à ses disciples.

Il convient de noter en particulier les cinq grands complexes de temples de Sanjūsangen-dō à Kyoto (1266), ainsi que le Kennin-ji (1202) et le Tōfuku-ji (1243) à Kyoto, ainsi que le Kenchō-ji (1253) et l'Engaku-ji ( 1282) à Kamakura. Le Kōtoku-in (1252) est célèbre pour sa statue en bronze du Bouddha Amida, haute de 13 mètres et pesant 93 tonnes, étant le deuxième plus grand Bouddha du Japon après celui du Tōdai-ji.

En 1234, fut construit le temple de Chion-in, siège du bouddhisme Jōdo shū (« Secte de la Terre Pure »), remarquable pour sa porte principale colossale (Sanmon), qui est la plus grande structure de ce type au Japon.

L'un des derniers représentants de cette période fut le Hongan-ji (1321), composé de deux temples principaux : le Nishi Hongan-ji, qui comprend le Goei-dō (« salle du fondateur ») et l'Amida-dō (« salle du Bouddha »). des salles, ainsi qu'un pavillon de thé et deux scènes de théâtre nō, dont l'une abrite la plus ancienne encore survivante ; et le Higashi Hongan-ji, où se trouve le célèbre jardin Shosei-en.

La sculpture acquiert un grand réalisme, l'artiste trouvant une plus grande liberté de création, comme en témoignent les portraits de nobles et de militaires, comme celui d'Uesugi Shigefusa (réalisé par un artiste anonyme), militaire du XIVe siècle.

Les œuvres zen étaient axées sur la représentation de leurs maîtres, dans un type de statue appelée chino, comme celle du maître Muji Ichien (1312, auteur anonyme), en bois polychrome, représentant le maître zen assis sur un trône, dans une attitude de méditation détendue.

L'école Kei de Nara, héritière de l'école Jōchō de l'époque Heian, fut particulièrement importante pour la qualité de ses œuvres, où le sculpteur Unkei, auteur des statues des moines Muchaku et Seshin (Kōfuku-ji de Nara), comme ainsi que des images des Kongo Rikishi (esprits gardiens), comme les deux statues colossales situées à l'entrée du temple Tōdai-ji (1199), hautes de 8 mètres, se démarquent.

Le style d'Unkei, influencé par la sculpture chinoise de la dynastie Song, était d'un grand réalisme, capturant à la fois l'étude physionomique la plus détaillée avec l'expression émotionnelle et la spiritualité intérieure de l'individu représenté.

Des cristaux sombres étaient même incrustés dans les yeux pour donner une plus grande expressivité. Le travail d'Unkei marque le début du portrait japonais. Son travail fut poursuivi par son fils Tankei, auteur du Kannon Senju pour le Sanjūsangen-dō.

La peinture se caractérise par un plus grand réalisme et une introspection psychologique. La peinture de paysage (La Cascade de Nachi) et le portrait (Le moine Myoe en contemplation par Enichi-bo Jonin ; collection de portraits du temple Jingo-ji à Kyoto par Fujiwara Takanobu ; portrait de l'empereur Hanazono par Goshin) se développent.

Il a continué le style yamato-e et la peinture sur rouleaux narratifs, certains mesurant jusqu'à 9 mètres de long. Ces rouleaux reflétaient des aspects de la vie quotidienne, des scènes urbaines ou rurales, ou illustraient des événements historiques, comme la guerre de 1159 à Kyoto entre branches rivales de la famille impériale.

Ils étaient présentés en scènes successives, suivant un ordre narratif, avec une vue panoramique surélevée, comme une vue plongeante. Il convient de noter en particulier les rouleaux illustrés des événements de l'ère Heiji (Heiji monogatari) et les rouleaux Kegon Engi d'Enichi-bo Jonin.

La peinture liée à la secte Zen était plus directement d'influence chinoise, dessinée en simples traits d'encre de Chine suivant la maxime Zen selon laquelle « trop de couleurs aveuglent la vision ».

A cette époque, la production de ce qui allait devenir la céramique la plus typiquement japonaise » commença, avec la figure de Toshiro se détachant. L'artisanat destiné à la vie militaire se développa, notamment les armures et les épées (katana) constituées de deux couches de fer et d'acier soumises à l'inflammation et à l'immersion, avec une marque caractéristique trempée à la vapeur appelée ni-e.

Période Muromachi (1392-1573)

Durant cette période, le shogunat est détenu par les Ashikaga, dont les luttes intestines favorisent la montée en puissance des daimyō, qui divisent le territoire. L'architecture était plus élégante et typiquement japonaise, mettant en valeur des demeures majestueuses, des monastères comme le Zuiho-ji et des temples comme le Shōkoku-ji (1382), le Kinkaku-ji ou Pavillon d'Or (1397) et le Ginkaku-ji ou Pavillon d'Argent (1489). , à Kyoto.

Kinkaku-ji a été construit comme villa de repos pour le shogun Ashikaga Yoshimitsu, dans le cadre de son domaine appelé Kitayama. Son fils transforma le bâtiment en temple de la secte Rinzai. Il s'agit d'un bâtiment de trois étages, dont les deux étages supérieurs sont recouverts de feuilles d'or pur.

Le pavillon fonctionne comme un shariden, stockant les reliques de Bouddha. Il contient également plusieurs statues de Bouddha et figures de bodhisattva, et un fenghuang doré ou « phénix chinois » est situé sur le toit. Il possède également un magnifique jardin adjacent, avec un étang appelé Kyōko-chi (« miroir d'eau »), avec de nombreuses îles et pierres représentant l'histoire de la création bouddhiste.

De son côté, le Ginkaku-ji a été construit par le shogun Ashikaga Yoshimasa, qui cherchait à imiter le Kinkaku-ji construit par son grand-père Yoshimitsu, mais n'a malheureusement pas pu recouvrir le bâtiment d'argent comme il l'avait prévu.

L'architecture de cette période est également caractérisée par l'apparition du tokonoma, une pièce réservée à la contemplation d'un tableau ou d'une composition florale, en accord avec l'esthétique zen. De même, le tatami, une sorte de tapis en paille de riz, a été introduit, ce qui rendait l'intérieur de la maison japonaise plus agréable.

Durant cette période, l’art du jardinage se développe considérablement, posant les bases artistiques et esthétiques du jardin japonais. Deux formes principales ont émergé : le tsukiyama, autour d'une colline et d'un lac ; et hiraniwa, un jardin plat de sable ratissé, avec des pierres, des arbres et des puits.

La végétation la plus courante est constituée de bambous et de divers genres de fleurs et d'arbres, qu'ils soient persistants, comme le pin noir du Japon, ou à feuilles caduques, comme l'érable du Japon, les éléments tels que les fougères et les mousses étant également valorisés.

Un autre élément typique du jardinage et de la décoration intérieure est le bonsaï. Les jardins comprennent souvent un lac ou un étang, divers types de pavillons (généralement pour la cérémonie du thé) et des lanternes en pierre . L’une des caractéristiques typiques du jardin japonais – comme du reste de son art – est son aspect imparfait, inachevé et asymétrique.

Il existe différents types de jardins : « de promenade », qui s'imagine se promener le long d'un chemin ou autour d'un étang ; « chambre », dont on profite à partir d'un emplacement fixe, généralement un pavillon ou une cabane de type machiya ; « thé » (rōji), autour d'un chemin menant au salon de thé, avec des tuiles ou des pierres pour baliser le chemin ; et la « contemplation » (karesansui, « paysage de montagne et d'eau »), qui est le jardin zen le plus typique, contemplé depuis une plate-forme située dans les monastères zen.

Un bon exemple est le soi-disant Paysage sans eau du jardin Ryōan-ji, à Kyoto, une œuvre du peintre et poète Sōami (1480), qui représente une mer - faite de sable ratissé - pleine d'îles - qui sont des rochers -, créant un ensemble qui allie réalité et illusion et invite au calme et à la réflexion.

La peinture s'épanouit également, encadrée par l'esthétique zen, qui reçoit l'influence chinoise des dynasties Yuan et Ming, reflétée principalement dans le décorativisme.

La technique de la gouache est introduite, parfaite transcription de la doctrine zen, qui cherche à refléter dans les paysages ce qu'ils signifient plutôt que ce qu'ils représentent.

La figure du bunjinso est apparue, le "moine intellectuel" créateur de ses propres œuvres, érudit et adepte des techniques chinoises à l'encre monochrome, aux coups de pinceau brefs et diffus, qui reflétaient dans leurs œuvres des éléments naturels tels que les pins, les roseaux, les orchidées, les bambous. , rochers, arbres, oiseaux et figures humaines immergés dans la nature, dans une attitude de méditation.

Certains de ces moines-artistes étaient : Mokuan Reien, Gyokuen Bompo, Ue Gukei, etc. Au Japon, cette technique à l'encre de Chine reçut le nom de sumi-e. Basé sur les sept principes esthétiques du Zen, le sumi-e (« peinture à l'encre ») était destiné à refléter les émotions intérieures les plus intenses à travers la simplicité et l'élégance, dans des lignes simples et modestes qui transcendent leur apparence extérieure pour signifier un état de communion avec la nature. .

Pour les moines zen, le sumi-e était un moyen (dō) de rechercher la paix intérieure et la réalisation spirituelle. Les propriétés tonales subtiles et diffuses de l'encre ont permis à l'artiste de capturer l'essence des choses, dans une impression simple et naturelle, mais profonde et transcendante.

C'est un art spontané d'exécution rapide, impossible à retoucher, ce qui le lie à la vie, où il est impossible de revenir au passé.

Chaque coup de pinceau exprime une énergie vitale (ki), puisqu'il s'agit d'un acte de création, où l'esprit est mis en action, et où le processus est plus important que le résultat. Les principaux artistes sumi-e étaient : Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei et, surtout, Sesshū Tōyō, auteur de portraits et de paysages, premier artiste à peindre d'après nature. Sesshū était un gaso, moine-peintre, qui voyagea en Chine entre 1467 et 1469, où il étudia l'art et le paysage naturel.

Ses paysages sont composés de structures linéaires, éclairées par une lumière soudaine qui reflète le concept zen de l'instant transcendantal.

Ce sont des paysages avec la présence d'éléments anecdotiques, comme des temples au loin ou de petites figures humaines, encadrées dans des lieux cachés comme des falaises. Un nouveau genre de peinture-poème apparaît également, le shigajiku, dans lequel un paysage illustre un poème d'inspiration naturaliste. Il faut également citer l'école Kanō, fondée par Kanō Masanobu, qui appliquait la technique de la gouache à des sujets traditionnels, illustrant ainsi des thèmes sacrés, nationaux et paysagers.

La gouache a également été appliquée sur les paravents et les panneaux peints des portes coulissantes fusuma, caractéristiques du design intérieur japonais. En céramique, l'école Seto se démarque, la typologie la plus populaire étant celle dite temmoku. Les objets en laque et en métal sont également des exemples notables de cette période.

Période Azuchi-Momoyama (1573-1603)

A cette époque, le Japon est à nouveau unifié par Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi et Tokugawa Ieyasu, qui éliminent le daimyō et se succèdent au pouvoir. Leur règne a coïncidé avec l'arrivée des commerçants portugais et des missionnaires jésuites, qui ont introduit le christianisme dans le pays, bien qu'il ne rejoigne qu'une minorité.

La production artistique de cette période s'éloigne de l'esthétique bouddhiste, mettant l'accent sur les valeurs traditionnelles japonaises, avec un style grandiloquent. L'invasion de la Corée en 1592 entraîna le transfert forcé de nombreux artistes coréens au Japon, qui s'installèrent dans des centres de production de céramique isolés du reste.

C'est également à cette époque que se manifestent les premières influences occidentales, reflétées dans le style Nanban (« barbares du sud », nom donné aux Européens), développé dans la sculpture miniaturiste, avec des thèmes profanes, des objets décoratifs en porcelaine et des paravents décorés en style yamato-e, aux couleurs vives et à la feuille d'or, dans des scènes qui racontent l'arrivée des Européens sur les côtes japonaises.

L'influence occidentale a introduit la peinture à l'huile et l'utilisation de la perspective, même si, en général, elles n'ont pas eu beaucoup de succès dans l'art traditionnel japonais.

En architecture, on distingue la construction de grands châteaux (shiro), fortifiés par l'introduction des armes à feu occidentales au Japon. De bons exemples sont les châteaux de Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō et Fushimi-Momoyama.

Le château de Himeji, l'une des principales constructions de l'époque, allie des fortifications massives à l'élégance d'une structure verticale, sur cinq étages construits en bois et en plâtre, avec des toits aux formes curvilignes douces semblables à celles des temples japonais traditionnels.

Les villas rustiques de la cérémonie du thé, composées de petites villas ou palais et de grands jardins, proliférèrent également, et des théâtres en bois furent construits dans certaines villes pour les spectacles de kabuki.

En peinture, l'école Kanō reçoit la majorité des commandes officielles, développant la peinture murale des principaux châteaux japonais. Les personnages éminents sont les noms de Kanō Eitoku et Kanō Sanraku.

Pour les châteaux, peu éclairés en raison de leurs étroites ouvertures défensives, il crée une sorte d'écrans à fond doré qui réfléchissent la lumière et la diffusent dans toute la pièce, avec de grandes peintures murales décorées de scènes héroïques, d'animaux comme des tigres et des dragons, ou des paysages avec la présence de jardins, d'étangs et de ponts, ou encore les quatre saisons, thème assez fréquent à l'époque.

Le style yamato-e s'est poursuivi principalement parmi la classe bourgeoise, représentée par l'école Tosa, qui a poursuivi la tradition épique japonaise des scènes et des paysages historiques, mettant en valeur les figures de Tosa Mitsuyoshi et Tosa Mitsunori.

Il y a également un développement notable de la peinture sur écran, généralement à l'encre gouache, suivant le style sumi-e, comme en témoignent les œuvres de Hasegawa Tōhaku (Forêt de pins) et de Kaihō Yūshō (Pin et prunier au clair de lune). La figure de Tawaraya Sōtatsu, auteur d'œuvres d'un grand dynamisme, en rouleaux manuscrits, paravents et éventails, s'est également démarquée.

Il a créé un style lyrique et décoratif inspiré de l'écriture waka de la période Heian, appelée rinpa, produisant des œuvres d'une grande beauté visuelle et d'une grande intensité émotionnelle, telles que Le Dit du Genji, Le Chemin du Lierre, Les Dieux du Tonnerre et du Vent. , etc.

La poterie connaît un moment de grande splendeur, avec le développement de la céramique pour la cérémonie du thé, inspirée de la poterie coréenne, dont la rusticité et l'aspect inachevé traduisent parfaitement l'esthétique zen qui imprègne le rite du thé.

De nouveaux modèles voient le jour, comme les assiettes nezumi et les pichets à eau kogan, généralement dotés d'un corps blanc baigné dans une couche de feldspath et décoré de dessins simples réalisés avec de la barbotine de fer.

Il s’agissait d’une poterie épaisse, d’aspect vernissé, avec un traitement inachevé, donnant un sentiment d’imperfection et de vulnérabilité. Seto a continué à être l'un des principaux centres de production, tandis que dans la ville de Mino sont nées deux écoles importantes : Shino et Oribe.

L'école Karatsu et deux types de poteries originales se distinguent également : l'Iga, à la texture grossière et à l'épaisse couche de glaçure, aux fissures profondes ;

et Bizen, faïence d'un brun rougeâtre et non émaillée, retirée alors qu'elle était encore tendre du tour pour produire de petites fissures et des incisions naturelles qui lui donnaient un aspect cassant, toujours selon l'esthétique zen de l'imperfection. L'un des meilleurs artistes de cette période fut Honami Kōetsu, qui excellait aussi bien dans la peinture que dans la poésie, le jardinage, la laque, etc. Formé dans la tradition artistique issue de l'époque Heian et dans l'école de calligraphie Shorenin, il fonda une colonie artisanale. à Takagamine, près de Kyoto, grâce à un terrain offert par Tokugawa Ieyasu.

La colonie fut entretenue par des artisans de l'école bouddhiste de Nichiren et produisit un certain nombre d'œuvres de grande qualité.

Ils se sont spécialisés dans la laque, principalement des accessoires de bureau, décorés d'incrustations d'or et de nacre, ainsi que divers ustensiles et vaisselle pour la cérémonie du thé, mettant en valeur le bol fujisan, au corps rougeâtre recouvert d'un engobe noir et, à l'extrémité. en haut, un vernis blanc opaque qui donne l'effet d'une chute de neige.

Période Edo (1603-1868)

Cette période artistique correspond à la période historique Tokugawa, où le Japon était fermé à tout contact extérieur. La capitale est établie à Edo, le futur Tokyo. Les chrétiens furent persécutés et les marchands européens expulsés.

Malgré le système de vassalité, le commerce et l'artisanat ont proliféré, et une classe bourgeoise est apparue, qui a gagné en puissance et en influence et s'est consacrée à la promotion des arts, en particulier de la gravure, de la céramique, de la laque et du textile.

Les bâtiments les plus importants sont le palais Katsura à Kyoto et le mausolée de Tōshō-gū à Nikkō (1636), qui fait partie des « Sanctuaires et temples de Nikkō », site du patrimoine mondial reconnu par l'UNESCO en 1999.

De formes hybrides shinto-bouddhistes, c'est le mausolée du shogun Tokugawa Ieyasu. Le temple est une structure rigidement symétrique avec des reliefs colorés couvrant toute la surface visible. Il se distingue par ses bâtiments colorés et ses ornements surchargés qui se démarquent des styles des temples de cette époque.

Les intérieurs sont ornés de laques, de sculptures colorées détaillées et de panneaux peints de manière magistrale. Le palais Katsura (1615-1662) a été construit selon un plan asymétrique d'inspiration zen, où les lignes droites de la façade extérieure contrastent avec la sinuosité du jardin environnant.

Villa de repos de la famille impériale, elle comprend un bâtiment principal (Shoin), plusieurs pavillons, des salons de thé et un parc de sept hectares. Le palais principal, qui comporte un seul étage, est divisé en quatre pavillons reliés aux angles : Shōkintei, Shōkatei, Shōiken et Gepparō.

Tous sont élevés sur des piliers et construits en bois avec des murs blanchis à la chaux et des portes coulissantes menant au jardin, et contiennent des peintures de Kanō Tan'yū.

Les salons de thé (chashitsu) sont également caractéristiques de cette période , généralement de petits bâtiments en bois avec des toits en bálago, entourés de jardins dans un état d'abandon apparent, avec du lichen, de la mousse et des feuilles mortes, suivant le concept zen de l'imperfection transcendante.

La peinture se développe notablement, acquérant une grande vitalité. Il fonctionnait sous différents formats, depuis les panneaux muraux et les paravents jusqu'aux parchemins, éventails et petits albums. La gravure sur bois devient très populaire, avec l'émergence dans les centres urbains d'une industrie importante spécialisée dans les textes illustrés et les estampes.

Initialement, ils étaient gravés à l'encre noire sur du papier colorié à la main, mais au milieu du XVIIIe siècle, l'impression couleur ( nishiki-e ) est apparue.

Il poursuit le style rinpa initié par Sōtatsu dans l'œuvre d'Ōgata Kōrin, l'un des plus grands artistes de l'époque. Sa production, gaie et sardonique, s'adressait aux classes marchandes, avec des œuvres d'une élégance urbaine et d'un réalisme quelque peu irrévérencieux, bien qu'avec une grande virtuosité et une profonde connaissance des maîtres classiques, comme il le démontre dans les écrans Prunes rouges et blanches, Vagues, iris et histoire d'Ise.

L'école Kanō a reçu les principales commandes officielles du gouvernement, avec un style esthétique zen aux coups de pinceau forts.

Son principal représentant était Kanō Tan'yū, petit-fils de Kanō Eitoku, qui travailla au palais impérial et au château de Nagoya, tout en réalisant un remarquable travail d'érudition rassemblant des notes sur toutes sortes d'œuvres d'art, avec des commentaires et des croquis ( shukuzu) des œuvres, une grande source d’informations pour l’historiographie de l’art.

L'école Tosa était représentée par Tosa Mitsuoki, qui perpétue la tradition épique du yamato-e.

Au XVIIIe siècle apparaît l'école nanga ou « peinture idéaliste », de signe confucéen parrainée par le shogunat Tokugawa, fortement influencée par l'art chinois, qu'ils considéraient comme le berceau de leur civilisation.

Il adopte le style wenren des peintres érudits chinois amateurs, réduits à de petits cercles intellectuels composés de professionnels d'horizons divers, des samouraïs aux moines, en passant par les marchands et les fonctionnaires. Son principal point de référence était l'école de Li Guo de la dynastie Song, au trait large et curviligne, qui arriva au Japon à travers l'école coréenne d'An Kyon.

Le centre névralgique du nanga était le monastère Mampuku-ji, fondé en 1661 à la périphérie de Kyoto, devenu le centre de la culture chinoise au Japon. Le sujet principal représenté était le paysage, souvent avec des éléments tels que des fleurs et des oiseaux, et la combinaison de la peinture et de la poésie (haïga) était courante.

Cette école a produit plusieurs artistes de grande qualité : Ikeno Taiga, Yosa Buson, Uragami Gyokudō, Aoki Mokubei, Tani Bunchō, Gibon Sengai, Hakuin Ekaku, etc.

Une autre école picturale intéressante est née à Kyoto, fondée par Maruyama Ōkyo, qui combinait diverses techniques et influences, du chinois à l'occidental, qu'il apprit à travers les gravures hollandaises.

Il réalise des volutes et des paravents avec des paysages et des fonds dorés, une caractéristique de son style étant le rendu du paysage avec des croquis tirés directement de la nature.

Ses disciples étaient Matsumura Goshun, co-fondateur avec Ōkyo de l'école Maruyama-Shijō ;

Itō Jakuchū, artiste d'une grande personnalité qui s'est consacré au genre de la nature morte, rare jusqu'alors au Japon ; et Nagasawa Rosetsu, qui maîtrisait les techniques occidentales de perspective et de clair-obscur. L'école la plus connue et la plus remarquable était celle de l'ukiyo-e (« estampes du monde qui coule ») , connue pour sa représentation de types et de scènes populaires.

Développé autour de la technique de la gravure -principalement sur bois-, c'était un style laïque et plébéien, éminemment urbain, qui, inspiré de thèmes anecdotiques et de scènes de genre, leur conférait un lyrisme et une beauté extraordinaires, avec une sensibilité subtile et un goût raffiné de grande qualité. la modernité.

Le fondateur était Hishikawa Moronobu, suivi par des personnalités telles qu'Okumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai et Torii Kiyonobu, fondateur de l'école Torii. Plusieurs artistes se sont spécialisés dans la reproduction des acteurs du théâtre populaire kabuki japonais (yakusha-e, « tableaux d'acteurs »), avec un certain air caricatural, parmi lesquels Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu et surtout Tōshūsai Sharaku.

Un autre genre assez courant était le bijin-ga (« peintures de belles femmes ») , qui représentaient des geishas et des courtisanes dans des attitudes intimes et des scènes de boudoir, avec beaucoup de détails, principalement dans leurs vêtements, comme le montrent les travaux de Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro. et Keisai Eisen.

Une autre variante était le shunga (« imprimés printaniers »), avec un contenu plus explicitement érotique. La peinture de paysage a été introduite par Utagawa Toyoharu, fondateur de l'école Utagawa, qui a appliqué la perspective occidentale au paysage japonais.

Au début du XIXe siècle, alors que l'art ukiyo-e semble décliner, apparaît la grande figure de Katsushika Hokusai, auteur de quelque 30 000 dessins qu'il rassemble en 15 volumes, qu'il intitule Manga (1814). Il reflète surtout la vie urbaine d'Edo, avec une certaine touche humoristique, dans un style énergique aux traits forts.

Il fut également un grand représentant de la peinture de paysage, l'un de ses principaux motifs étant le Mont Fuji, dans des scènes de grande couleur, au cachet fortement personnel, ni réaliste ni idéalisé, reflétant toujours la vision intérieure de l'artiste. L'un de ses derniers représentants et grand maître de l'école était Utagawa Hiroshige, également un grand peintre paysagiste, comme l'indiquent ses Cent vues célèbres d'Edo.

Il avait un style plus réaliste que celui d'Hokusai, mais plus lyrique et évocateur, utilisant souvent une perspective d'arrière-plans encadrés au premier plan par des branches, des feuilles ou d'autres objets.

La céramique avait l'un de ses principaux centres de production à Kyoto, influencée par l'art chinois et coréen ; son artiste principal était Nonomura Ninsei. Une école d'influence coréenne a émergé à Hagi, caractérisée par l'utilisation de formes simples et de tonalités claires, avec la figure d'Ōgata Kenzan, frère d'Ōgata Kōrin, se démarquant.

Les céramiques destinées à la cérémonie du thé se poursuivent, décorées d'éléments apparemment irréguliers et asymétriques, tels que des signes et des lignes de coupe presque abstraites, selon l'idéal d'imperfection de l'esthétique zen.

Les premières porcelaines furent produites à cette époque, avec un premier centre de production à Arita, dans la préfecture de Saga (appelée porcelaine d'Imari), où le potier coréen Yi Sam-pyeong trouva en 1616 une sorte d'argile blanche idéale pour la porcelaine.

A noter les écoles Kakiemon, Nabeshima et Ko-Kutami, qui produisaient une série d'assiettes, de bols et de bouteilles de saké d'une grande qualité et raffinement, avec des émaux décorés de bleu, vert, jaune, rouge, beige et aubergine pâle.

Les objets en laque, en métal, en ivoire et en nacre prolifèrent également, et des objets tels que les inro (boîtes à médicaments), les netsuke (charmes sculptés) et les tsuba (gardes d'épée) atteignent une grande qualité artistique.

De même, l'art textile, principalement en soie, devint très important et atteignit des niveaux de qualité très élevés, de sorte que souvent des tuniques en soie ( kimono ) aux couleurs vives et aux dessins raffinés étaient accrochées dans des pièces séparées, comme s'il s'agissait de paravents.

Diverses techniques ont été utilisées, telles que la teinture, la broderie, le brocart, le gaufrage, l'appliqué et la peinture à la main. La soie n'était accessible qu'aux classes supérieures, tandis que la population portait du coton, fabriqué selon la technique indonésienne de l'ikat, filé en sections et teint en indigo en alternance avec du blanc.

Une autre technique de moindre qualité était l'entrelacement de fils de coton de différentes couleurs, avec des teintures artisanales appliquées à la manière du batik au moyen d'une pâte de riz et de son de riz bouilli et aggloméré.

Il convient de noter que, tout comme au XIXe siècle l’art japonais était influencé par l’art occidental, ce dernier était également influencé par l’exotisme et le naturel de l’art japonais. C'est ainsi qu'est né en Occident ce qu'on appelle le japonisme, développé principalement dans la seconde moitié du XIXe siècle, notamment en France et en Grande-Bretagne.

Elle s'est manifestée dans les soi-disant japonaiseries, objets inspirés des estampes japonaises, de la porcelaine, des laques, des éventails et des objets en bambou, qui sont devenus à la mode aussi bien dans la décoration intérieure que dans de nombreux vêtements personnels qui reflétaient la fantaisie et le décorativisme de l'esthétique japonaise.

En peinture, le style de l'école ukiyo-e fut accueilli avec enthousiasme et les œuvres d'Utamaro, Hiroshige et Hokusai furent très appréciées. Les artistes occidentaux ont imité la construction spatiale simplifiée, les contours simples, le style calligraphique et la sensibilité naturaliste de la peinture japonaise.

Certains des artistes majeurs qui ont reçu cette influence étaient : Édouard Manet, James Abbott McNeill Whistler, James Tissot, Mary Cassatt, Pierre Bonnard, Georges Ferdinand Bigot, Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri. de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh, Gustav Klimt, etc.

Période contemporaine (à partir de 1868)

La période Meiji (1868-1912) marque le début d’un profond renouveau culturel, social et technologique au Japon, qui s’ouvre davantage sur le monde extérieur et commence à intégrer les nouveaux progrès réalisés en Occident.

La Charte de 1868 abolit les privilèges féodaux et les distinctions de classes, ce qui ne conduisit pas à une amélioration des classes prolétariennes plongées dans la misère. Une ère de fort expansionnisme impérialiste a commencé, qui a conduit à la Seconde Guerre mondiale.

Après la guerre, le Japon a connu un processus de démocratisation et de développement économique qui en a fait l'une des principales puissances économiques mondiales et un centre majeur de production industrielle et d'innovation technologique.

L’ère Meiji a été suivie par les ères Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) et Heisei (1989-). À partir de 1930, la militarisation et l’expansion progressives dans toute la Chine et l’Asie du Sud, avec pour conséquence l’augmentation des ressources allouées au budget militaire, entraînent un déclin du mécénat artistique.

Cependant, avec le boom économique d'après-guerre et la nouvelle prospérité obtenue grâce à l'industrialisation du pays, les arts renaissent, désormais pleinement immergés dans les mouvements artistiques internationaux en raison du processus de mondialisation culturelle.

De même, la prospérité économique a favorisé la collection, avec la création de nombreux musées et centres d'exposition qui ont contribué à la diffusion et à la conservation de l'art japonais et international.

Dans le domaine religieux, l'instauration au cours de l'ère Meiji du shintoïsme comme seule religion officielle (Shinbutsu bunri) a conduit à l'abandon et à la destruction de temples et d'œuvres d'art bouddhistes,

ce qui aurait été irréparable sans l'intervention d'Ernest Fenollosa, professeur de philosophie à l'Université impériale de Tokyo, qui, avec le magnat et mécène William Bigelow, a sauvé un grand nombre d'œuvres qui nourrissaient la collection d'art bouddhique du Musée des Beaux-Arts de Boston et la Freer Gallery of Art de Washington, DC,

qui a ensuite été transféré au Musée des Beaux-Arts de Boston et à la Freer Gallery of Art de Washington, DC, où il est devenu un musée d'art bouddhiste.

C., deux des plus belles collections d'art asiatique au monde. L'architecture présente une double direction : traditionnelle (sanctuaire Yasukuni, temples Heian Jingu et Meiji à Tokyo) et d'influence européenne, intégrant les nouvelles technologies (musée Yamato Bunkakan d'Isohachi Yoshida à Nara).

L'occidentalisation a conduit à la construction de nouveaux bâtiments tels que des banques, des usines, des gares et des bâtiments publics, construits avec des matériaux et des techniques occidentales, imitant d'abord (fin du XIXe siècle) l'architecture victorienne anglaise. Certains architectes étrangers ont également travaillé au Japon, comme Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).

L'architecture et l'urbanisme ont reçu un grand essor après la Seconde Guerre mondiale, en raison de la nécessité de reconstruire le pays. Une nouvelle génération d'architectes émerge, menée par Kenzō Tange, auteur d'ouvrages tels que le Musée Mémorial de la Paix d'Hiroshima, la Cathédrale Sainte-Marie de Tokyo, le Stade olympique des Jeux olympiques de Tokyo de 1964, etc.

Tange et ses disciples ont développé le concept d'architecture compris comme « métabolisme », considérant les bâtiments comme des formes organiques qui doivent s'adapter aux besoins fonctionnels. Mouvement fondé en 1959, ils avaient une idée de la ville du futur habitée par une société massifiée, caractérisée par des structures flexibles et extensibles avec une croissance de type organique.

Parmi ses membres se trouvaient Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe et Kiyonori Kikutake. Un autre représentant était Maekawa Kunio qui, avec Tange, a introduit d'anciennes idées esthétiques japonaises dans les bâtiments contemporains rigides, en utilisant à nouveau des techniques et des matériaux traditionnels tels que le tatami et l'utilisation de piliers - un élément de construction traditionnel dans les temples japonais - ou l'intégration de jardins et sculptures dans leurs conceptions.

Un autre principe esthétique japonais, celui du vide, a été étudié par Fumihiko Maki dans la relation spatiale entre le bâtiment et son environnement.

Depuis les années 1980, l’art postmoderne est très présent au Japon, la fusion entre l’élément populaire et la sophistication des formes étant caractéristique du Japon depuis l’Antiquité.

Ce style a été représenté principalement par Arata Isozaki, auteur du musée d'art Kitakyūshū et de la salle de concert de Kyoto. Isozaki a étudié avec Tange et, dans son travail, a synthétisé les concepts occidentaux avec des idées spatiales, fonctionnelles et décoratives typiques du Japon.

De son côté, Tadao Andō a développé un style minimaliste, avec un grand souci de l'apport de la lumière et des espaces ouverts sur l'extérieur (Chapelle sur l'eau, Tomanu, Hokkaidō ; Église de la Lumière, Ibaraki, Osaka ; Musée des enfants, Himeji).

Shigeru Ban est connu pour son utilisation de matériaux non conventionnels, tels que le papier ou le plastique : après le tremblement de terre de Kōbe en 1995, qui a laissé de nombreuses personnes sans abri, Ban a contribué en concevant The Paper House et The Paper Church.

Enfin, Toyō Itō a exploré l'image physique de la ville à l'ère numérique (Tour des Vents, Yokohama ; Médiathèque Sendai, Sendai ; Bâtiment Mikimoto Ginza 2, Tokyo). Dans la sculpture, il y avait aussi une dualité entre tradition et avant-garde, avec les noms de Yoshi Kinuchi et Romorini Toyofuku, ainsi que les abstractionnistes Masakazu Horiuchi et Yasuo Mizui, ce dernier installé en France. Isamu Noguchi et Nagare Masayuki ont rassemblé la riche tradition sculpturale de leur pays dans des œuvres qui étudient le contraste entre la rugosité et le poli du matériau.

La peinture suit également deux courants : traditionnel (nihonga) et occidentaliste (yōga), bien qu'indépendant des deux, la figure de Tomioka Tessai se démarque au début du XXe siècle.

Le style nihonga a été promu à la fin du XIXe siècle par le critique d'art Okakura Kakuzō et par l'éducateur Ernest Fenollosa, recherchant dans l'art traditionnel la forme archétypale d'expression de la sensibilité japonaise, bien que ce style ait également reçu une certaine influence occidentale, notamment de préraphaélitisme et romantisme.

Il était représenté principalement par Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison et Kobayashi Kokei.

Le style de peinture européiste s'est d'abord nourri des techniques et des thèmes en vigueur en Europe à la fin du XIXe siècle, principalement liés à l'académisme - comme dans le cas de Kuroda Seiki, qui a étudié neuf ans à Paris -, mais a ensuite suivi le différents courants qui se produisaient dans l’art occidental :

Le groupe Hakubakai a repris l'influence impressionniste ;

la peinture abstraite avait Takeo Yamaguchi et Masanari Munai comme figures de proue ; parmi les artistes figuratifs, Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen et Higashiyama Kaii se démarquent. Certains artistes se sont installés hors de leur pays, comme Genichiro Inokuma aux États-Unis et Tsuguharu Foujita en France. Durant la période Taishō, le style yōga prédominait sur le nihonga, bien que l'utilisation accrue de la lumière et de la perspective occidentales ait atténué les différences entre les deux courants.

Tout comme le nihonga a largement adopté les innovations du post-impressionnisme, le yōga a manifesté un penchant pour l'éclectisme, avec l'émergence d'une grande diversité de mouvements artistiques divergents. À cette époque, l’Académie japonaise des beaux-arts (Nihon Bijutsuin) a été créée.

La peinture de l'ère Shōwa a été marquée par le travail de Yasurio Sotaro et Umehara Ryuzaburo, qui ont introduit les concepts d'art pur et de peinture abstraite dans la tradition nihonga.

En 1931, l’Association des arts indépendants (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) est créée pour promouvoir l’art d’avant-garde. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la censure et les contrôles gouvernementaux n'autorisaient que l'expression de thèmes patriotiques. Après la guerre, les artistes japonais prospèrent dans les grandes villes - notamment à Tokyo -, créant un art urbain et cosmopolite, qui suit avec dévotion les innovations stylistiques produites au niveau international, notamment à Paris et à New York.

Après les styles abstraits des années 1960, les années 1970 voient un retour au réalisme favorisé par le pop art, comme en témoigne le travail de Shinohara Ushio. Néanmoins, à la fin des années 1970, on assiste à un retour à l’art japonais traditionnel, dans lequel ils voient plus d’expressivité et de force émotionnelle.

La tradition de la gravure s'est poursuivie jusqu'au XXe siècle dans un style de « gravures créatives » (sosaku hanga) dessinées et sculptées par des artistes de préférence dans le style nihonga, tels que Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi et Munakata Shiko.

Parmi les dernières tendances, le groupe Gutai, qui a assimilé l'expérience de la Seconde Guerre mondiale à travers des actions pleines d'ironie, avec un grand sentiment de tension et d'agressivité latente, était très réputé dans le cadre de l'art dit d'action. Ses membres comprennent : Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto et Katsuō Shiraga.

Liés à l'art postmoderne, plusieurs artistes sont immergés dans le phénomène récent de mondialisation, marqué par le multiculturalisme des expressions artistiques :

Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. D'autres artistes éminents du Japon contemporain sont : Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara et Takashi Murakami.

Art japonais Autres expressions artistiques

Littérature

La littérature japonaise a une forte influence chinoise, principalement due à l'adoption de l'écriture chinoise. Le plus ancien témoignage conservé est le Kojiki (Contes des choses anciennes), sorte d'histoire universelle de coupe mythique et théogonique. Un autre témoignage pertinent est celui des Nihonshoki (Annales du Japon).

La poésie est représentée par le Man'yōshū (Recueil des dix mille feuilles), une anthologie de poèmes de divers types, avec une grande variété thématique et stylistique, écrits par plusieurs auteurs, parmi lesquels Otomo Yakamochi et Yamanoue Okura.

Durant le Moyen Âge japonais, la littérature se poursuit sous l'influence de la littérature chinoise, notamment en poésie, où la plus grande production est en langue chinoise, considérée comme plus cultivée : ainsi le Kaifuso (Tendres souvenirs de poésie, 751), anthologie de divers poètes.

À l'époque Heian, on assiste à un renouveau de la littérature japonaise, notamment narrative : Genji Monogatari (Le Conte du Genji), de Murasaki Shikibu, est un classique de la littérature japonaise, décrivant le monde de la noblesse dans un langage simple, parfois de ton érotique.

La poésie de l'époque est rassemblée dans l'anthologie impériale Kokinshu, où la nature est préférentiellement exaltée, écrite en waka (composition de 31 syllabes).

À l'époque de Kamakura, la littérature était affectée par les guerres féodales constantes, reflétées dans un récit au ton pessimiste et désolé : Hojoki (Narration de ma hutte), de Kamo no Chomei. De la période Muromachi, il convient de noter Tsurezuregusa (Essais sur les loisirs) de Yoshida Kenkō et l'anonyme Sannin Hoshi (Les Trois prêtres).

Musique

La musique japonaise a eu ses premières manifestations dans le honkyoku (« pièces originales »), remontant au 19e siècle avant notre ère, ainsi que dans les min'yō, chansons folkloriques japonaises. Les rites shinto avaient des chœurs récitant un trille lent accompagné d'une flûte de bambou (yamate-bue) et d'une cithare à six cordes (yamato-goto).

La principale forme de musique et de danse shinto est le kagura, basé sur le mythe d'Amaterasu, déesse du soleil.

Il est exécuté avec les instruments mentionnés ci-dessus, ainsi que d'autres tels que le hichiriki (hautbois) et des tambours comme l'o-kakko et l'o-daiko. L'arrivée du bouddhisme amène des influences étrangères, donnant naissance à deux courants : la musique de gauche, d'origine indienne et chinoise ; et musique de droite, d'origine mandchoue et coréenne.

Ces courants utilisaient des instruments tels que le biwa (luth à manche court), le taiko (tambour japonais), le kakko (tambour chinois), le shôko (gong), le sô-no-koto (cithare), le koma-bue ( flûte), le hichiriki (hautbois), l'ôteki (flûte traversière) et le shô (orgue soufflé).

Il existait également une grande variété de types de musique traditionnelle : deux des styles les plus anciens étaient le shōmyō (« chant du gros homme ») et le gagaku (« musique drôle »), tous deux issus des périodes Nara et Heian.

De plus, le gagaku est divisé en sōgaku (musique instrumentale) et bugaku (musique et danse). Durant la période Edo, la musique était principalement de la musique de chambre, de type profane, développée avec divers instruments parmi lesquels se distinguent le shamisen (luth à trois cordes), le shakuhachi (flûte en bambou) et le koto (cithare à 13 cordes).

Le koto, principalement, connut un grand essor à partir du XVIIe siècle, popularisé par le musicien aveugle Yatsushashi. Il se jouait seul, avec plusieurs variations (dan) de 52 mesures (hyoshi), ou accompagné de voix (kumi).

Arts performants

Au théâtre apparaît au XIVe siècle la modalité appelée nō, drame lyrique-musical en prose ou en vers, avec un thème historique ou mythologique. Ses origines remontent à l’ancienne danse kakura et à la liturgie shinto, bien qu’elle ait ensuite été assimilée par le bouddhisme.

Il se caractérise par une intrigue schématique, avec trois personnages principaux : le protagoniste (waki), un moine itinérant et un intermédiaire.

La narration est récitée par un chœur, tandis que les acteurs principaux jouent gestuellement, dans des mouvements rythmés. Les décors sont austères, contrairement à la magnificence des costumes et des masques. Son principal représentant était Chikamatsu Monzaemon. Au cours de la période Edo, le mode kabuki a émergé, qui synthétisait les anciennes traditions de musique et de performance ainsi que de mime et de danse, avec des thèmes allant du banal au mystique. Tout comme le nō avait un ton aristocratique, le kabuki sera l'expression du peuple et de la bourgeoisie.

La mise en scène était d'une grande richesse, avec des décors où se distinguaient la composition chromatique, les robes luxueuses et le maquillage symbolique, représentant différents personnages ou états d'esprit selon la couleur.

La diction était de type rituel, un mélange de chant et de récitatif, en ondulations qui exprimaient la position ou le caractère du personnage. Au cours de la période Edo, la littérature a évolué vers un plus grand réalisme, généralement dans un ton costumbriste et avec une subtile veine humoristique, comme le montrent les travaux de Saikaku Ihara, Jippensha Ikku et Ejima Kiseki. En poésie, la modalité principale est le haïku, une composition de 17 syllabes, au ton généralement bucolique, centrée sur la nature et le paysage, avec comme protagonistes Matsuo Bashō, Yosa Buson et Kobayashi Issa.

Le genre waka perdure, généralement en chinois, représenté principalement par Rai Sanyo.

Au XIXe siècle, le romancier Takizawa Bakin, auteur de Satomi Kakkenden (La vie de huit chiens), jouait un rôle important. À l'époque contemporaine, la littérature a reçu - comme le reste des arts - l'influence occidentale, perceptible depuis la fin du XIXe siècle dans l'influence exercée par des auteurs comme Victor Hugo et Lev Tolstoï, principalement chez des romanciers comme Mazamune Hakucho, Kafū Nagai. , Natsume Sōseki, Morita Sohei, Yasunari Kawabata (Prix Nobel de littérature en 1968), etc.

Cette génération a été interrompue par la Seconde Guerre mondiale, lorsqu'une censure stricte a été imposée. Par la suite, les lettres japonaises ont été immergées dans des courants d'avant-garde, même si certains écrivains ont conservé le style traditionnel, comme Shōhei Ōka, Hotta Yoshie et Fukuda Tsuneari.

Parmi les principaux écrivains contemporains figurent Yukio Mishima, Kōbō Abe, Shintarō Ishihara, Ito Sei, Murō Saisei, Miki Rofu, Satō Haruo et Kenzaburō Ōe (lauréat du prix Nobel en 1994).

Cinéma

Le cinéma japonais allie la technologie moderne à des sujets traditionnels, avec un sens esthétique particulier qui accorde une grande importance aux paroles visuelles. Introduit en 1896, il a toujours joui d'une grande popularité. En 1908, les premiers studios de cinéma japonais sont créés, Nikkatsu (créé en 1912) et Shōchiku (apparu en 1920) se distinguant plus tard.

Dès ses débuts, le cinéma emprunte beaucoup au théâtre traditionnel japonais et se divise en deux courants : le gendai-geki, à thème contemporain, et le jidai-geki, à thème historique.

Le cinéma muet intègre des figures telles que l'onnagata, un acteur qui joue un rôle féminin, et le benshi, un récitant qui commente le film pendant la projection. Parmi les premiers cinéastes figuraient Yasujirō Ozu et Mikio Naruse. En 1931, les films sonores font leur apparition, avec l'émergence de la grande figure de Kenji Mizoguchi (Les Sœurs de Gion, 1936).

Avec le conflit sino-japonais, les films de guerre sont devenus à la mode et, pendant la guerre mondiale, le cinéma a été un instrument de propagande nationaliste. Dans la période d'après-guerre, il y avait une plus grande influence occidentale et avant-gardiste, avec un style entre traditionnel et innovant qui, associé à des scripts élaborés, se distinguait par son idéalisation visuelle et la valeur accordée à la photographie.

Le principal représentant de cette période fut Akira Kurosawa, auteur d'ouvrages tels que Rashōmon (1950), Les Sept Samouraïs (1954), Yojimbo (1961), Dersu Uzala (1975), Kagemusha (1980) et Ran (1985).

Les réalisateurs ultérieurs tels que Nagisa Ōshima, Hiroshi Inagaki, Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Shohei Imamura, Kinji Fukasaku, Hayao Miyazaki, Takeshi Kitano, Takashi Miike, Mamoru Oshii, Hirokazu Koreeda, etc. se sont démarqués.

Bande dessinée

Le Japon est le centre de production du manga, un genre de bande dessinée qui connaît un grand succès international depuis les années 1980. Il se caractérise par de longues épopées d'un grand dynamisme, avec des effets sonores abondants, ayant un point d'origine dans la tradition graphique ukiyo-e.

Bien que son début soit lié au magazine Manga Shōnen (1947), d'Osamu Tezuka, ce sera à la fin des années 1980 qu'il connaîtra sa plus grande répercussion, avec Akira de Katsuhiro Otomo (1982-93) et Dragon Ball d'Akira. Toriyama (1984-95).

Depuis ses débuts avec une esthétique quelque peu enfantine, le manga a évolué vers un style plus réaliste et photographique, s'ouvrant à de nouveaux genres et typologies et intégrant des éléments satiriques, humoristiques, terrifiants, violents et érotiques (hentai).

Parmi les principaux créateurs de ces dernières années se distinguent : Fujio Akatsuka, Tetsuya Chiba, Riyoko Ikeda, Shigeru Mizuki, Gō Nagai, Keiji Nakazawa, Monkey Punch, Tsukasa Hōjō, Ryōichi Ikegami, Masakazu Katsura, Mitsuru Adachi, Jirō Taniguchi, Takehiko Inoue, Eiichirō Oda, Masashi Kishimoto, Masami Kurumada, Naoko Takeuchi, Chiho Saito et Hiro Mashima.

Jeux vidéo

Le Japon est l'un des principaux pays producteurs de jeux vidéo, genre artistique reconnu en Europe par les BAFTA awards et récemment aux Etats-Unis par la NEA. Les jeux vidéo ont traversé une crise en 1983, mais grâce au concepteur de jeux vidéo japonais Shigeru Miyamoto, ils ont réussi à prendre de l'avance et font toujours partie de la culture contemporaine du Japon.

L'un des premiers succès de l'industrie japonaise du jeu vidéo fut Space Invaders, de Taito Corporation (1978). Par la suite, le principal producteur de jeux vidéo au Japon a été Nintendo, dirigé par Hiroshi Yamauchi, qui a transformé une petite entreprise familiale de cartes hanafuda en une société de jeux vidéo de renommée mondiale valant plusieurs millions de dollars.

C'est Yamauchi qui a embauché Shigeru Miyamoto et ensemble, ils ont révolutionné le monde du jeu vidéo. Le premier succès de Nintendo fut la série Game & Watch, une série de machines dotées de la technologie LCD faisant office d'horloge, conçue par Gunpei Yokoi.

En 1983, ils lancent leur console Famicom, qui connaît un grand succès et dont le catalogue comprend des jeux comme le classique Donkey Kong. Par la suite, sortent des jeux vidéo à succès tels que Tennis, Dragon Quest, The Legend of Zelda ou Final Fantasy.

Dans les années 1980, d'autres sociétés émergent également, généralement dédiées aux jeux d'arcade, comme Capcom, Konami, Irem, Jaleco, SNK ou Sega. Après la crise de 1983, Nintendo reconvertit la Famicom en Nintendo Entertainment System, avec laquelle elle part à la conquête des marchés américain et européen, et avec la nouvelle création de Miyamoto, Super Mario Bros.,

C'était un grand succès. Depuis, l'innovation constante dans le monde des consoles (Sega Mega Drive, Super Nintendo, Game Boy, Sony PlayStation, Nintendo DS, PlayStation Portable, Nintendo Wii) a fait de l'industrie japonaise l'un des principaux producteurs mondiaux de jeux vidéo.